El Jurado Internacional del

54 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE DONOSTIA-SAN SEBASTIÁN compuesto por

• JEANNE MOREAU. (Francia) (Presidenta)
  
• BRUNO BARRETO (Brasil)
• ISABEL COIXET (España)
  
• SARA DRIVER (EE.UU.)
  
• BRUNO GANZ (Suiza)
  
• MANUEL GÓMEZ PEREIRA (España)
• JOSÉ SARAMAGO (Portugal)

reunidos el 30 de septiembre de 2006, deciden otorgar por mayoría los siguientes premios:

• PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUIÓN a
  Tom DiCillo por “DELIRIOUS” (EE.UU.)
  
  
• PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA a
  Nigel Bluck por “NIWEMANG / HALF MOON” (Irán – Irak – Austria - Francia)
  
  
• CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR a
  Juan Diego por “VETE DE MÍ” (España)
  
  
• CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ a
  Nathalie Baye por “MON FILS À MOI” (Francia)
  
  
• CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR a
  Tom DiCillo por “DELIRIOUS” (EE.UU.)
  
  
• PREMIO ESPECIAL DEL JURADO a
  “EL CAMINO DE SAN DIEGO” de Carlos Sorin (Argentina)
  En este extraño mundo en el que vivimos, esta película habla del extraordinario poder de los sueños y la esperanza. Sin ellos, no somos nada. 
  
  
• CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA ex-aequo a
  “NIWEMANG / HALF MOON” de Bahman Ghobadi (Irán – Irak – Austria - Francia) y “MON FILS À MOI” de Martial Fougeron (Francia)

Donostia-San Sebastián, 30 de septiembre de 2006

El Jurado Internacional otorgará obligatoriamente los siguientes premios a las películas de la Sección Oficial:

• Concha de Oro a la Mejor Película.
• Concha de Plata al mejor director/a.
• Concha de Plata a la mejor actriz.
• Concha de Plata al mejor actor.
• Premio del Jurado a la mejor fotografía.
• Premio del Jurado al mejor guión.

Igualmente el Jurado tendrá a su disposición un Premio Especial para su libre adjudicación a la película que, por las características que fuere, considere que tiene méritos para recibirlo, debiendo mencionar la motivación que lo hace merecedor del mismo.

Sólo uno de estos premios puede ser ex-aequo.
Ninguna película podrá recibir más de dos premios.

• Reglamento (2006). Sección Oficial

La actriz francesa Jeanne Moreau es una de las pocas actrices que personifican a la vez que trascienden su época gracias a la originalidad de su trabajo.
Jeanne Moreau nació en París el 25 de enero de 1928. Su padre, Anatole Désiré Moreau, era propietario de un bistró en Montmartre. Su madre, Kathleen Sarah Buckley, abandonó Lancashire, Inglaterra, a la edad de diecisiete años para bailar en el Folies-Bergère. Tras pulir su talento como miembro de la Comédie-Française y del Théâtre National Populaire, en los años 50 Moreau interpretó papeles secundarios en numerosas adaptaciones literarias francesas, así como en policiers y séries noires (novelas sobre detectives y criminales). Cuatro de las películas más notables de esa época son: Touchez pas au grisbi (1955), de Jacques Becker, La reine Margot (1953), de Jean Dréville, Le dos au mur (1957), de Edouard Molinaro, y L’ascenseur pour l’échafaud (1957), de Louis Malle.
Fue con el estreno de Les amants de Malle en 1958 cuando los espectadores de todo el mundo descubrieron a una actriz única a la hora de transmitir atractivo, pena, aburrimiento e imprudencia juvenil. Considerada por François Truffaut como su muse inspiratrice, Moreau se convirtió en la abanderada de la Nueva Ola francesa, colaborando estrechamente con Truffaut, Malle, Jacques Demy, Jean-Louis Richard y Roger Vadim. Quizás como mejor se la recuerde sea como la enigmática Catherine de Jules et Jim, el “himno a la vida y la muerte” de Truffaut. 
Jeanne Moreau elige directores, no películas. Los años 60 marcaron su belle époque con papeles protagonistas en películas de muchos de los gigantes del cine, incluyendo a Orson Welles, Luis Buñuel, Michelangelo Antonioni, Jean Renoir, Joseph Losey, Peter Brook y Tony Richardson. En los 70 y 80 colaboró con Marguerite Duras, Carlos Diegues, André Téchiné y Rainer Werner Fassbinder. Ganó un César, el Oscar francés, a la Mejor Actriz en 1992 por La vieille qui marchait dans la mer (1991), y poco después coprotagonizó A Foreign Field (1993), de Charles Sturridge, con Alec Guinness, Lauren Bacall y Leo McKern.    
Animada por Orson Welles, Moreau debutó en la dirección en 1976 con Lumière, un retrato alabado por la crítica de las relaciones íntimas entre cuatro mujeres. Al año siguiente dirigió a Simone Signoret en L’adolescente. Ha enfocado también su sensible cámara a una biografía de Lillian Gish (1982).
La lista de premios y reconocimientos que ha recibido Jeanne Moreau es impresionante. Por citar algunos: Premio de Interpretación Femenina en el Festival de Cannes de 1960 por Moderato cantabile; Homenaje y Retrospectiva en el Festival de Florencia (1985); Molière a la Mejor Actriz por Le récit de la servante Zerline (1988); León de Oro del Festival de Venecia 1992 por el conjunto de su carrera; César a la Mejor Actriz por La vieille qui marchait dans la mer (1992); Retrospectiva en el MoMA de Nueva York (1994); César de Honor (1995); el Fellowship otorgado por The British Academy of Film and Television Arts; el Premio a toda una carrera concedido por la Academia del Cine Europeo (1997); el Tributo de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences (1998), que es la mayor distinción que la Academia da a una actriz internacional; el Homenaje del Festival de Créteil (1999); el Oso de Oro del Festival de Berlín por el conjunto de su carrera (2000); la Palma de Honor del Festival de Cannes (2003); y, por supuesto, el Premio Donostia que le otorgó el Festival de San Sebastián en 1997.
Es poseedora también de las más altas distinciones oficiales francesas: Commandeur des Arts et des Lettres, Officier de l’Ordre National de la Légion d’Honneur y Commandeur de l’Ordre National du Mérite. Ha sido la primera mujer en ocupar un sillón en la Sección Audiovisual de la Academia de Bellas Artes francesa (2001).
Ha sido Presidenta del Jurado en Cannes (1975 y 1995), Avoriaz (1981), Berlín (1983), Nueva Delhi (1985 y 1996), Montréal (1996) y Angers (2001).
El biógrafo y amigo de Moreau, Jean-Claude Moireau, ha escrito de ella: “Si su carrera como actriz ha sido ejemplar es porque siempre se ha basado en una profunda integridad. Su don natural para la metamorfosis une las cualidades que ella encarna sobre el escenario y la pantalla con la mujer que realmente es. Su rostro es tan emotivo y maleable que nunca se le podrá aplicar una etiqueta. Jeanne Moreau nos emociona por lo extraordinariamente humana que es”.

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Se puede decir que Bruno Barreto (Río de Janeiro, 1955) nació cineasta, ya que conoce la cámara desde pequeño, cuando realizó varios cortometrajes (sólo tenía once años cuando hizo Os três amigos, que obtuvo el premio al mejor director joven en el Festival Brasileño de Films Amateurs). Esta vocación precoz produjo el mayor éxito del cine brasileño de todos los tiempos: Dona Flor e seus dois maridos (Doña Flor y sus dos maridos, 1978). Ha dirigido también otros éxitos de taquilla del cine brasileño, como A estrela sobe (1974), Amor bandido (1981), O romance da empregada (1988), O Que é Isso, Companheiro? (1996), nominada para el Oscar a la Mejor Película Extranjera en 1998, y Bossa Nova (1999). En la actualidad, sigue siendo uno de los directores brasileños más populares, como lo demuestra la acogida obtenida por sus últimas películas, O casamento de Romeu e Julieta (2005) y Caixa 2 (2006).
Parte de su carrera la ha llevado a cabo en Estados Unidos, donde ha dirigido A Show of Force (Bajo otra bandera, 1990), Heart of Justice (Venganza escrita, 1992), Carried Away (1995), One Tough Cop (Acariciando la muerte, 1998) y A View From the Top (2002), habiendo alcanzado así fama internacional.
Su filmografía como director la completan Tati-A garota (1972), Gabriela (1982), Menino do Rio (1983), O beijo no asfalto (1984) y Além da paixão (1986). Ha sido además productor y guionista de varias de sus películas y guionista de Kiss Me Goodbye (Bésame y esfúmate, 1982), dirigida por Robert Mulligan.
También ha dirigido una pieza teatral, Dúvida (Doubt, 2006), de John Patrick Schanley.

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Isabel Coixet (Barcelona, 1962) es Licenciada en Historia Contemporánea y directora, productora y guionista cinematográfica. Ha dirigido las películas Demasiado viejo para morir joven (1986, presentada en San Sebastián en Zabaltegi), Cosas que nunca te dije (1995), A los que aman (1998), Mi vida sin mí (2003) y La vida secreta de las palabras (2005), habiendo obtenido con ellas numerosos premios y el éxito internacional. También ha participado en las películas colectivas Hay motivo (2004) y Paris, je t’aime (2006). Ha dirigido además varios documentales, entre ellos Viaje al corazón de la tortura (2002) y Cartas a Nora (2006), y está preparando otro sobre la violencia doméstica que se titulará Me duele más a mí.
La vida secreta de las palabras consiguió el Goya de 2006 en las categorías de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original y Mejor Diseño de Producción, el Sant Jordi y el Fotogramas de Plata, entre otros muchos premios. Mi vida sin mí obtuvo los Goyas al Mejor Guión Adaptado y Mejor Canción, el Premio de la Asociación de Filmotecas Alemanas en el Festival de Berlín, el Sant Jordi, el Premi Nacional de Cinematografia de la Generalitat de Cataluña, el Premio a la Mejor Película Canadiense en el Atlantic Film Festival de Canadá, el Premio Genie a la Mejor Actriz (Sarah Polley) y varios más. A los que aman logró el Premio a la Mejor Película en el Festival de Cine Latino de San Francisco y el Ciutat de Barcelona del Ayuntamiento de Barcelona. Cosas que nunca te dije fue recompensada con el Fotogramas de Plata, el Sant Jordi, el Premio Especial del Jurado en el Festival de Tesalónica y el Golem de Oro en el Festival de Praga.
Coixet ha sido además fundadora y directora creativa de la agencia Target y de la productora Eddie Saeta, obteniendo los más prestigiosos premios por sus trabajos en publicidad. En el año 2000 crea la productora Miss Wasabi Films, desde donde ha producido destacados videoclips y documentales.
En la dirección de teatro, Isabel Coixet ha debutado con 84 Charing Cross Road, basada en una obra de la estadounidense Helene Hannf.

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Debe ser un fastidio ser una mujer surrealista, tradición rara vez reconocida, al menos entre los escritores y cineastas norteamericanos y europeos. En la pintura mexicana, están Frida Kahlo y Remedios Varo. Pero cuando se trata de escritoras de ficción como Shirley Jackson o Flannery O’Connor, siempre tienen prioridad otras filiaciones: “gótica” o “sureña”, y “feminista” en los casos de Jane Campion, Chantal Akerman o Leslie Thornton. Posiblemente todo esto se debe al sexismo recalcitrante de André Breton, Luis Buñuel, Salvador Dalí y otros talentosos ideólogos macho-latinos. Sea como fuere, mientras que David Lynch y Raúl Ruiz son considerados automáticamente miembros honorarios del club, a Sara Driver se la suele privar de cualquier tradición, excepto quizá la de “rara” e “independiente”.
Debo admitir, no obstante, que ella dificulta las cosas -y las dificulta en el mejor sentido- por ser tan contradictoria, aunque sólo haya realizado tres largometrajes narrativos hasta la fecha [You Are Not I (1982), Sleepwalk (1986) y When Pigs Fly (1993)]. Mientras nos resulta cómodo hablar de los “mundos” surrealistas de un Buñuel, un Lynch, e incluso de una Akerman (al menos dentro del surrealismo belga), los tres films de Driver, aunque podamos calificarlos fácilmente de surrealistas o de “driverescos”, transcurren claramente en tres mundos por completo  diferentes. Esto no quiere decir que no haya muchas conexiones estilísticas, temáticas y temperamentales entre ellos (…). Pensemos en las densas e hiperactivas bandas de sonido de los tres films, el entorno humilde, los ritmos como de trance, la relación estratificada del pasado remoto con el presente (…), los retratos de niños solitarios y de prepotentes traficantes de poder, la soñadora pasividad de protagonistas desventurados, la enorme atención otorgada a sus sueños, y los diversos tipos de irrupciones caóticas que acontecen en medio de sus rutinas compulsivas, que en los tres films conducen al principal desarrollo de la trama.
(Extracto de El perro soñado de Sara Driver, de Jonathan Rosenbaum)

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Nació en Zurich en 1941. Tras una breve temporada en París, estudió interpretación en el Bühnenstudio de Zurich (actualmente Schauspiel-Akademie). Empezó a interpretar sus primeros papeles en películas suizas en 1960 y, a partir de ahí, comienza a trabajar como actor teatral en numerosos teatros europeos: Junges Theater de Göttingen, Theater am Goetheplatz de Bremen… En 1967 actúa en la primera producción dirigida por Peter Stein y en 1970 es ya el alma de la compañía de la Schaubühne am Halleschen Ufer de Berlín Occidental.
Empieza a trabajar regularmente en cine en 1975 y a partir del año siguiente su dedicación al cine será casi exclusiva, aunque en 1982 vuelve a los escenarios en el Theater am Leniner Platz de Berlín con Hamlet, dirigido por Klaus Michael Grüber y, en 1984, actúa en Oberon in der Park, dirigido por Peter Stein.
Ha protagonizado numerosas películas a las órdenes de diversos directores internacionales, como Die Fälschung (Círculo de engaños, 1980), de Volker Schlöndorff, Dans la ville blanche (En la ciudad blanca, 1983), de Alain Tanner, Der Himmel über Berlin (El cielo sobre Berlín, 1987), de Wim Wenders, Mia aioniotita kai mia mera (La eternidad y un día, 1998), de Theo Angelopoulos, Pane e tulipani (Pan y tulipanes, 1999), de Silvio Soldini, The Manchurian Candidate (El mensajero del miedo, 2004), de Jonathan Demme, y Der Untergang (El hundimiento, 2004), de Oliver Hirschbiegel, donde Bruno Ganz hacía una soberbia interpretación de Hitler que le otorgó un reconocimiento mundial, incluyendo el Premio al Mejor Actor concedido por la Academia del Cine Europeo.
Entre sus trabajos mas recientes está Vitus (2006), de Fredi M. Murer, que será exhibida en el apartado Perlas de la sección Zabaltegi del Festival de San Sebastián.

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